Cours : Le vocabulaire du théâtre

Le lieu et les personnages

Connaître les termes techniques désignant les différents lieux sur la scène permet par exemple de mieux appréhender les déplacements des personnages.

Les coulisses sont une partie de la scène cachée au public. Vu du public, on appelle « côté jardin » le côté gauche de la scène, et on appelle « côté cour » le côté droit. Cette appellation date du XVIII^e siècle, lorsque les acteurs de la Comédie Française temporairement installés aux Tuileries répétaient : à leur gauche se trouvait la cour du palais, et à leur droite, le jardin. En utilisant ces termes, le metteur en scène se rend compte qu’il peut ainsi donner ses indications sans que les acteurs ne se questionnent sur l’orientation à suivre.

La scène en elle-même est divisée en trois parties :

• l’avant-scène se trouve devant les rideaux, au plus proche du public, avant la rampe. Elle est souvent utilisée pour les monologues et les apartés ;
• le fond de scène, aussi appelé lointain, est l’endroit le plus éloigné du public ;
• la rampe est la galerie lumineuse qui va d’un bout à l’autre de la scène.

Les rideaux servent à cacher la scène au public. Les pendrillons (ou pendillons) sont des rideaux souvent noirs, qui permettent de cacher l’entrée des coulisses. Généralement, un décor en fond de scène donne des indications de temps et de lieu.

L’auteur d’un texte de théâtre est appelé dramaturge et ce nom concerne tous les genres : dramatique, comédie, tragédie… Le terme vient du grec δρᾶμα (drama), qui signifie « action, pièce de théâtre ».

Le comédien joue le rôle d’un personnage. Il est généralement guidé par un metteur en scène, qui interprète le texte écrit par le dramaturge, et en propose une adaptation scénique. Cette adaptation peut être très personnelle : la mise en scène est libre, et peut modifier la réception de la pièce par le public selon le parti pris artistique, la symbolique… Le metteur en scène peut faire varier tous les éléments : comédiens, décors, costumes, etc. Les costumes et les accessoires des comédiens permettent d’indiquer le rôle, le statut et le rang social de leur personnage.

L’organisation du texte

Un texte théâtral est divisé en actes, eux-mêmes divisés en scènes. Un entracte sépare deux actes et permet d’occuper l’intervalle entre eux. Cet intermède est souvent nécessaire pour changer le décor. Les scènes, quant à elles, changent selon l’entrée ou la sortie d’un nouveau personnage.

L’échange de paroles entre les personnages constitue le dialogue. Lorsqu’un personnage parle seul sur scène, il s’agit d’un monologue. Le plus long monologue du théâtre français est celui de Figaro dans Le Mariage de Figaro, de Beaumarchais. Il constitue la scène 3 de l’acte V, et contient plus de 1 100 mots !

Pour désigner un monologue, on parle parfois de soliloque. Théoriquement, le vrai soliloque n’a aucun destinataire, ce qui semble difficile. Même dans un monologue, le personnage s’adresse à un personnage absent, ou à lui-même. Cependant, de vrais exemples de soliloques existent dans le théâtre de l’absurde. Dans En attendant Godot, de Beckett, Lucky débite des paroles sur un ton monotone. Ce soliloque est sans aucune ponctuation, sauf à la fin.

Lorsque le personnage parle longuement mais n’est pas seul sur scène, il s’agit d’une tirade. Nous pouvons citer par exemple la célèbre tirade des nez dans Cyrano de Bergerac d’Edmond Rostand, où Cyrano s’adresse à Valvert en 54 vers !

La réplique désigne une prise de parole plutôt brève. Elle peut être constituée d’un seul mot. Dans Les Bonnes, la pièce de Genet, le dramaturge enchaîne les répliques courtes. Ce procédé, appelé stichomythie, donne du rythme aux échanges de paroles. Il est souvent employé dans le théâtre de l’absurde. Dans cet exemple, la stichomythie permet de souligner l’absurdité de la mort de Claire, qui voulait empoisonner Madame, mais a bu elle-même le poison parce qu’elle jouait son rôle.

Le jeu des comédiens

Au théâtre, l’action est conditionnée par l’écriture, notamment les didascalies. Elles désignent toutes les indications scéniques qui permettent aux comédiens de jouer leur rôle : gestes, déplacements, mimiques, attitudes, tons, costumes, accessoires utilisés… Ces didascalies fonctionnelles sont souvent notées en italique ou entre parenthèses. Elles ne sont pas énoncées verbalement, mais interprétées.

Les didascalies initiales, quant à elles, comprennent le titre, la liste des personnages et leurs rôles, les actes et les scènes. Ces didascalies permettent de situer l’action dans un cadre spatio-temporel. Voici par exemple le début de Ruy Blas, le drame romantique de Victor Hugo :

• Cette longue didascalie initiale situe le lieu, le décor, l’époque, les costumes et les personnages. La suite de la scène comprend d’autres didascalies, propres au jeu de chaque comédien. Elles sont notées en italiques dans le texte.

• Les didascalies permettent d’identifier toutes les interactions entre les personnages. Certaines indiquent à qui des paroles sont adressées. Dans cet extrait de Tartuffe ou L’Imposteur, de Molière, les didascalies permettent de comprendre à qui s’adressent les personnages.

Les didascalies « à part » indiquent que certaines répliques ne sont pas adressées à un autre personnage, mais uniquement à celui qui s’exprime. C’est ce que l’on appelle un aparté. Ces paroles sont destinées au spectateur qui devient complice, témoin. Les apartés créent une connivence avec le public, qui cerne alors les intentions ou les sentiments réels du personnage.

Les apartés sont parfois indiqués par d’autres didascalies par « bas » ou « pour elle-même ».

L’organisation de l’action

Dans une pièce de théâtre, l’action est divisée en plusieurs parties et obéit à un schéma narratif. La première scène d’une pièce est appelée l’exposition. Elle peut s’étendre à tout le premier acte, et met en place les personnages principaux, le cadre spatio-temporel et les premiers éléments de l’intrigue. L’exposition présente la situation initiale et l’élément perturbateur. Elle lance le nœud de l’intrigue, le moment où les obstacles apparaissent. Ce nœud donne l’impression aux personnages et au public qu’aucune solution n’est possible. Il crée le suspense et l’intérêt de la pièce.

Les différentes péripéties permettent ensuite de dénouer cette intrigue selon la progression dramatique. Toutes ces actions convergent vers le dénouement, placé à la fin de la pièce. Il clôt l’intrigue et donne sens à la pièce.

Dans la comédie, les péripéties sont souvent marquées par des coups de théâtres ou retournements de situation. La comédie regorge de rebondissements, dont certains sont fondés sur le quiproquo. Ce terme désigne une confusion entre des personnages qui ne se comprennent pas. Les quiproquos peuvent être liés à des situations variées et donnent lieu à un malentendu, qui provoque le rire. Ils sont un ressort du registre comique.

• Par exemple, l’intrigue de la pièce de Marivaux, Le Jeu de l’amour et du hasard, est entièrement basée sur un quiproquo. Dorante et Silvia ont la même idée : chacun endosse l’identité de son serviteur afin de connaître les sentiments de l’autre. Ils tombent alors amoureux en pensant qu’ils n’aiment pas la bonne personne.

Inattendues, les actions peuvent aboutir à un deus ex machina, expression latine qui désigne la dernière action de la comédie : alors que tout semble perdu et qu’aucune solution n’a été trouvée, le nœud est résolu comme par miracle, de manière invraisemblable. L’expression vient du théâtre antique, où un dieu était physiquement descendu sur scène par un câble et résolvait l’intrigue.

• Par exemple, le dénouement de Tartuffe repose sur l’intervention du roi. Jugée comme une faiblesse de la pièce, cette intervention du personnage est digne d’un deus ex machina. Le personnage du roi joue le rôle d’un dieu qui intervient seulement pour résoudre l’intrigue, par ailleurs insoluble. Ce personnage révèle que Tartuffe est un faux dévot et permet ainsi le mariage entre la fille d’Orgon et Valère.

Enfin, un dernier élément courant au théâtre est la mise en abyme, aussi appelée « théâtre dans le théâtre ». Elle se produit lorsque des personnages jouent un rôle en endossant une nouvelle identité. C’est le cas dans L’Illusion comique, la pièce de Corneille. Cette tragi-comédie met en scène un magicien, qui montre à un père ce qu’est devenu le fils qu’il a perdu. Or, ce fils est devenu comédien et ce que le père voit se jouer sous ses yeux est une pièce de théâtre.

• La mise en abyme peut donner lieu à un quiproquo, comme pour Dorante et Silvia dans Le Jeu de l’amour et du hasard.