Cours : Les arts contemporains : héritages et reniements

Dada et l’absurde

Au XX^e siècle, l’art le plus surprenant renvoie probablement à deux courants très proches : le dadaïsme et le surréalisme.

Définition

Dadaïsme :

Le dadaïsme est un mouvement littéraire et artistique du début XX^e siècle dont le mot d’ordre est la remise en cause des conventions dans l’art et l’esthétique, mais aussi des contraintes idéologiques et sociopolitiques. Autrement dit, si les œuvres « dada » peuvent nous paraître absurdes, c’est-à-dire dépourvue de tout sens, c’est que l’absurde est l’un des objets majeurs de ce courant et que les moyens artistiques mis en œuvre se veulent à l’image et à la hauteur de l’objet, et donc tout aussi absurdes.

Le mouvement naît avec le Manifeste Dada de Tristan Tzara et Hugo Ball. Le document est en fait un tract, diffusé en 1915 à Berlin. Les fers de lance du dadaïsme se disent « négativistes » : ils nient le progrès historique et social, qui est une croyance naïve. Ils déclarent vouloir vivre dans l’instant présent et sur le mode de l’amusement. Ils refusent les conceptions théoriques au profit des réalisations. Pour eux, la beauté, comme objectif de l’art, est dépassée et ils contestent l’idée que les artistes doivent faire preuve de poésie, de raffinement, de bon goût et de culture.

Par exemple Hugo Ball a présenté une performance au Cabaret Voltaire, à Zurich. Il s’agit d’une représentation théâtrale expérimentale où le dadaïste se présente au public dans un costume en carton rigide et argenté représentant un phallus. La représentation traduit un esprit de négation des conventions morales et théâtrales, un esprit de dérision et de déstructuration – de réinvention – du langage par une poésie sonore scandé.

Dans les arts plastiques, Marcel Duchamp participe au mouvement avec ses ready-made (réalisations faites avec des objets ordinaires de la vie courante dont l’artiste pervertit la finalité). On retient notamment, le tout premier ready-made, Roue de bicyclette, la célèbre Fontaine mais aussi le tableau L.H.O.O.Q. qui désacralise La Joconde de Léonard de Vinci, en l’affublant d’une moustache et d’une barbiche, comme le ferait un enfant.

Cet extrait du Manifeste traite d’un pratique caractéristique du mouvement, l’écriture automatique.

En dessin, le même procédé se nomme « cadavre exquis ». Cet extrait illustre la notion d’automatisme qui est revendiquée dans l’art surréaliste, à savoir l’usage d’un mécanisme psychique pur où une pensée se dicte elle-même sans le contrôle de la raison ni même de tout critère esthétique ou moral. En ce sens, il rompt avec la manière d’écriture habituelle, absolument consciente de ses idées et maîtresse de son style.
On comprend mieux par cette exemple majeur l’esprit du surréalisme qui, explorant tous les moyens de la création artistique (peinture, dessin, collage, musique, photographie cinéma, littérature, vêtements) met en avant les forces psychiques, notamment inconscientes (les automatismes de la pensée et les représentations des rêves). Il s’agit de se libérer des contrôles de notre raison et des préjugés. Inspiré de l’idée de l’inconscient de Freud, le surréalisme croit en une réalité supérieure de cet inconscient. Pour permettre à celui-ci de s’exprimer dans les œuvres, l’artiste fait appel à de nouvelle méthode de production, comme l’association mentale et les jeux désintéressés de l’esprit. En ce sens, il remet en cause les procédés habituels de la création.

La révolution de la musique

Stravinsky a aussi composé la musique du ballet Le Sacre du printemps, sous-titré « Tableaux de la Russie païenne », chorégraphié originellement par Nijinski pour les ballets russes de Diaghilev. Sa présentation au théâtre des Champs Élysées, à Paris, en 1913, a provoqué un scandale artistique, à tel point qu’on a requalifié Le Sacre du printemps en « Le massacre du printemps ». En effet, la construction du morceau rompt avec la recherche d’harmonie et de régularité qui caractérise la musique classique. Elle repose notamment sur l’utilisation d’agrégats sonores inhabituels et son rythme est d’un dynamisme totalement surprenant, inédit pour les oreilles classiques, pulsionnel, sauvage et apparemment peu régulier. Cette œuvre a eu une influence remarquable sur l’approche de la tonalité et rythme dans la musique contemporaine, notamment sur ses formes atonales (sans tonalité précise) et les formes arythmiques (sans rythme défini).

Mais outre ces aspects techniques de la musique, qui en changent l’écoute et les impressions, la révolution de Stravinsky réside surtout dans le sens même de cet art. En effet, c’est une approche traditionnelle de la musique que le compositeur remet en cause, dans cet extrait de ses mémoires Chroniques de ma vie.

Tout d’abord, Stravinsky critique le rôle que l’on confère habituellement à la musique instrumentale : elle ne sert pas à exprimer quelque chose de la vie intérieure ou du monde extérieur. Ni l’imitation du réel, ni l’expression des sentiments ne sont la fonction de l’art musical. Comment, dès lors, expliquer qu’on accorde à la musique cette fonction d’expression ? En fait, la musique semble exprimer quelque chose (le printemps, la sève qui monte, l’éclosion des fleurs, les couleurs qui changent…) mais c’est, pour Stravinsky, seulement une impression illusoire, le résultat d’une « convention », l’effet d’un titre, d’une « étiquette » : nous pensons que Le Sacre du printemps exprime les éléments du printemps seulement parce que nous savons que l’œuvre s’intitule ainsi.

De plus, pour Stravinsky, la musique est la réalisation de l’instant présent. L’idée est d’autant plus innovante que l’on définit traditionnellement la musique comme art du temps et de l’écoulement du temps. Pour le compositeur, au contraire, la musique a pour effet d’arrêter – un moment – le temps qui, pour nous, dans la vie ordinaire, passe inéluctablement.

Enfin, de là, la musique sert, non à exprimer quelque chose, mais à réorganiser le monde et notamment le rapport de l’homme au temps, à construire un rythme nouveau et des harmonies qui ne sont pas nécessairement imitées de la nature ou connues de la musique classique. La musique organise ce nouveau rapport, qui peut dès lors apparaître de façon tout à fait originale, et donc possiblement choquante. Cette construction d’un nouveau temps fait de rythmes et de tonalités surprenantes est la fonction exclusive de la musique : « Il serait vain d’y chercher ou d’en attendre autre chose ». La construction musicale produit alors une « émotion », mais cette émotion est elle-même inédite, « d’un caractère tout à fait spécial ». Elle n’est en rien l’expression d’une émotion courante, déjà vécue.

• Elle est propre au morceau musical que nous sommes en train d’écouter.

Contrairement au mouvement dada dont l’intention était de choquer par son caractère irrévérencieux, l’art devenant alors le moyen du scandale, Stravinsky peut choquer sans qu’il s’agisse là d’une intention première : c’est le résultat, secondaire, d’une musique attentive à sa propre nouveauté. Le pouvoir de la musique tient donc, non dans l’imitation exacerbée de nos sentiments familiers, mais dans la découverte de nouveaux sentiments, produits par la création de nouvelles harmonies et de nouveaux rythmes.

L’art comme performance et provocation

Au chapitre des nouveautés artistiques remettant en question les conceptions traditionnelles de l’art, le XX^e siècle a vu l’invention de la performance, mode d’expression qui vient rompre les frontières entre l’art et la vie courante, l’artiste et le public, ainsi que les catégories de l’art dans leurs cloisonnements.

Une performance artistique est un acte, une action, une attitude, un geste ou un comportement qu’un ou des artistes présentent devant un public. L’artiste devient un « performeur » ou « actionniste ». On parle aussi de « happening » (en anglais : ce qui arrive), c’est-à-dire d’« événement » (event). Alors que l’on associe traditionnellement l’art à la production d’œuvres, la performance est un art éphémère, qu’elle soit unique ou répétitive (mais dans ce cas, elle n’est jamais exactement la même). Elle ne laisse donc pas, après sa réalisation, une œuvre au sens propre, qui reste et pourrait être à nouveau exposée. Demeurent cependant des captations audiovisuelles et des photographies de la performance. Celui qui veut acheter une performance, en achète en réalité le film, l’enregistrement ou les photographies, ou encore, si celui-ci est écrit, son scénario. L’art performance peut mélanger différents arts, arts plastiques et arts du son.

Par exemple, l’artiste-performeur Chris Burden a marqué le monde de l’art par ses performances très provocatrices. Il réalise sa première performance, Five Day Locker Piece, en 1971 : pendant cinq jours, il s’enferme dans une boîte aux dimension suivantes : 60 cm de hauteur, 60 cm de largeur, 90 cm de profondeur. Il y demeure plié, sans boisson ni nourriture. On a interprété cette performance comme une expérience régressive et fœtale, celle d’un retour dans un placenta où le corps est volontairement mis à l’épreuve de la gestation oubliée. La même année, la guerre du Vietnam bat son plein. L’artiste dénonce alors cette guerre par sa performance Shoot qui consiste à se faire tirer dessus par un ami qui le touche au bras gauche, reproduction d’un acte banal de guerre, afin de faire prendre conscience, en le sortant de son contexte, de son horreur. La vidéo de cette performance a été recueillie notamment par le MoMa de New York. En 1974, dans Trans-Fixed, Chris Burden se fait crucifier comme le Christ sur l’arrière d’une coccinelle. Ce n’est pas tout : la voiture roule à vitesse rapide pendant plusieurs minutes dans le centre de Los Angeles. Le message ? Démystifier l’acte de sacrifice.

Oksana Chatchko a inventé les différents éléments esthétiques qui composent l’attitude des Femen dans leurs actes de contestation féministe :